Cinco canciones para conocer Fletwood Mac

Formados en Londres en 1967, Fleetwood Mac nació como una banda de blues británico, liderada por Peter Green. Sin embargo, su verdadera singularidad apareció años después, cuando el grupo se transformó en una formación casi coral, marcada por múltiples compositores, voces contrastadas y una dinámica emocional compleja.

La alineación más icónica —Mick Fleetwood, John McVie, Christine McVie, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks— convirtió a Fleetwood Mac en algo único: una banda donde las relaciones personales, las rupturas y las tensiones creativas no solo coexistían, sino que alimentaban directamente la música.

Pocas veces en la historia del rock la vida privada de una banda quedó tan expuesta y, al mismo tiempo, tan bellamente sublimada en canciones.


Rhiannon

Mística, hipnótica y profundamente emocional. Inspirada en una figura mitológica, la canción captura la esencia etérea de Stevie Nicks. Es Fleetwood Mac descubriendo su nuevo lenguaje: melódico, atmosférico y lleno de magnetismo.


Go Your Own Way

Una ruptura hecha canción. Escrita por Lindsey Buckingham durante el colapso de su relación con Stevie Nicks, es furia emocional envuelta en un estribillo luminoso. Rock directo, sincero y dolorosamente honesto.


Dreams

La única canción de Fleetwood Mac que alcanzó el número uno en EE. UU. Minimalista, flotante y profundamente introspectiva, muestra el talento de Nicks para convertir el desamor en algo universal y casi terapéutico.


The Chain

La metáfora definitiva del grupo. Construida a partir de fragmentos de varias composiciones, es la única canción acreditada a todos los miembros de la banda. Su famoso crescendo final simboliza la unión forzada —pero poderosa— que mantuvo vivo al grupo.


Landslide

Una de las baladas más frágiles y personales del rock. Stevie Nicks reflexiona sobre el miedo al cambio, la identidad y el paso del tiempo. Desnuda, sincera y atemporal, conecta a oyentes de cualquier generación.


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Cinco canciones para conocer a Bruno Mars

Nacido en Honolulu en 1985, Peter Gene Hernández, conocido artísticamente como Bruno Mars, creció rodeado de música: Elvis, doo-wop, Motown, rock clásico y soul. Esa educación musical temprana definió algo clave en su carrera: Bruno Mars reinterpreta estilos desde el respeto al legado.

Desde su debut a comienzos de los 2010, se consolidó como uno de los pocos artistas pop capaces de unir voz técnicamente impecable, composición clásica, groove y precisión rítmica con un espíritu de espectáculo total.

Mars no solo canta: interpreta, baila, dirige la energía del escenario y domina el lenguaje del entretenimiento como lo hacían los grandes del siglo XX, trasladándolo al presente.


Just the Way You Are

La carta de presentación perfecta. Una balada sencilla, honesta y emocional que puso el foco en su voz y su capacidad melódica. Es pop directo, sin artificios, con un mensaje universal: amor sin condiciones.


Locked Out of Heaven

Un homenaje explícito a The Police, pero filtrado por el funk y el pop moderno. Ritmo contagioso, falsete preciso y una producción elegante. Aquí Bruno demuestra que puede mirar a los 80 sin caer en la nostalgia vacía.


When I Was Your Man

Probablemente su interpretación vocal más desnuda. Piano, voz y arrepentimiento. La canción muestra su capacidad para transmitir vulnerabilidad real, sin adornos, recordando a los grandes baladistas del soul y el pop clásico.


Uptown Funk

Un fenómeno cultural. Funk descarado, actitud James Brown, groove Prince y producción impecable. Más que una canción, es una lección de cómo hacer música bailable con identidad, humor y precisión quirúrgica.


24K Magic

Bruno Mars en modo showman total. Funk, R&B y estética ochentera, pero con un sonido absolutamente contemporáneo. Es lujo, ritmo y control absoluto del escenario, consolidándolo como heredero moderno del soul-funk.


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Las cinco mejores canciones de 2025

¿Te atreves con cinco canciones? ¡Me atrevo con todo! Ha sido dificilísimo hacer los cinco álbumes del año, y esta lista va a ser todavía más difícil... pero no es nada comparado con elegir cinco canciones representativas de los Beatles, así que... ¡vamos!


"Everybody Scream", de Florence + The Machine


Se trata de un ambicioso single dentro de un notable álbum con el mismo nombre, en el que claramente representa su punto álgido. Aunque mantiene la esencia de Florence and The Machine, es algo distinto a los trabajos anteriores.

Es una obra personal y visceral de Florence Welch, tras una experiencia vital traumática, que destaca por mezclar sabiamente el pop mainstream con el formato más experimental.

Veremos cómo impacta en las giras y directos del grupo, y si se convierte en uno de sus clásicos; pero sin duda, es uno de los temazos de 2025.


"La Perla", de Rosalía


No me he podido resistir a no arriesgarme en absoluto. No creo ni que sea el mejor tema de "Lux", pero el éxito comercial masivo, las horas de reels que ha ocupado y el impacto cultural inmediato que ha supuesto, lo colocan como (posiblemente) 'el' tema de 2025.

Todo un himno al desamor y el despecho, con letras directas y una historia detrás que ha dado muchísimo que hablar; con reminiscencias a la icónica "Rata de dos patas" de Paquita la del Barrio.

Este pop vanguardista con toque urbano, que fusiona sonidos tradicionales con una producción moderna de primer nivel, nos ha conquistado. Esa esencia de ranchera capaz de ajustar cuentas de una forma satírica pero poética para, finalmente, servir de bastón que te sujeta ante una batalla emocional.


"What Was That", de Lorde


Con un importante impacto en las listas mundiales y una recepción crítica que no le va a la zaga, el principal tema de "Virgin" es puro electropop, pero con una vueltita.

Una letra emotiva y producción minimalista que crea una atmósfera única que estábamos echando en falta a inicios de año. Entre el videoclip, el éxito alcanzado y el impacto que ha tenido en festivales de la talla de Glastonbury, tenemos uno de los highlights del año.


"Infinite Source", de Deftones


Honor a un tema metal digno de estar entre las mejores canciones del año. La banda californiana regresa por la puerta grande con un disco a la altura de sus mejores trabajos. Y este título es uno de los cortes más destacados del álbum.

"Infinite Source" hace las delicias de los fans de Deftones, pero es una canción disfrutable por cualquier persona con un mínimo de sensibilidad artística o musical. Pruébala y me agradecerás el hallazgo.

Sonido shoegaze melódico con guitarras etéreas y la siempre emotiva voz de Chino Moreno: nostalgia y evolución con letras sobre despedidas que resuenan de forma profunda.


"Big Money", de Jon Batiste


Lo siento, pero me niego a no reconocerle mérito a este tema. El álbum, del mismo nombre, ha sido reconocido como un buen trabajo pero por debajo de lo que se le presupone a Jon Batiste. ¿Debería empañar eso un gran disco?

Todos queremos más, y sin embargo, "Big Money" es un álbum que se disfruta enormemente. Y esta canción es de lo más destacado. Aunque esperemos más, aunque nos pongamos muy exigentes... yo creo que se merece estar entre lo mejor de 2025.

Porque representa a un género que parece olvidado; y lo hace con gran maestría. Pero, sobre todo, porque nos lleva a las raíces más profundas de la música popular estadounidense y, aún así, suena fresco y actual. Mayor es el mérito cuando se encuentra rodeada de propuestas enlatadas, prefabricadas y calcadas por los artistas 'del momento'.


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Los cinco mejores álbumes de 2025

Si no era ya bastante difícil elegir las cinco canciones representativas de artistas históricos, pues me atrevo a elegir los mejores álbumes de este año que está para acabar. Con un par.

Bueno, venga, igual los cinco mejores no... pero quizá los más representativos; aunque no los pondré en ranking (como el resto de minilistas). Y solo cinco, poca broma. Pero espero que sean cinco que pueden pasar por algunos de los mejores 10 (20 o 50) de 2025. Vamos allá... ¡no me funen!


'Lux', de Rosalía

Este era fácil, aunque solo sea por el hype que ha generado, ¿no? Según Rolling Stone, es puro pop, pero "no suena como nada en el pop actual".

Está claro que es una obra tremendamente ambiciosa, con una estructura sinfónica y espiritual que se aleja del formato pop convencional. Mezcla electrónica, orquesta, coros, palmas... sin duda, es un disco que sobresale entre los lanzamientos de 2025 y permanecerá como una obra indispensable de Rosalía.

Aunque no comulgo con el mensaje de fondo, reconozco la calidad de cada una de las pistas. Y resulta un "viaje" de la primera canción a la última, que gana en una escucha serena, tranquila y de principio a fin, más que seleccionando canciones. A veces duro, a veces emotivo, a veces tranquilo... un viaje que merece la pena realizar sin distracciones.


'West End Girl', de Lily Allen

Aplaudo con las orejas el regreso de Lily Allen, tras (demasiados) años sin sacar álbum. La artista se ha abierto en canal para publicar un disco marcado por los cambios personales que ha experimentado y, más concretamente, su divorcio con David Harbour.

Mezcla ficción y experiencias reales en una obra plagada de referencias reconocibles para hablar sobre infidelidad, autoestima, lealtad, engaño y, para los más morbosos, sobre el comentado "matrimonio abierto" que mantenía con su pareja.

Se trata de uno de los mejores trabajos de la artista, que ya nos sorprendió (sobre todo) en 2006 y 2009, ya que mantiene su característico pop británico con letras irónicas, mezclado con toques electrónicos y house, pero de una forma más adulta e introspectiva.

Me lanzo: se convertirá en un trabajo esencial de ese subgénero de discos catárticos sobre ruptura, desamor e infidelidad junto a clásicos como "Rumours" de Fletwood Mac y "Here, my dear" de Marvin Gaye.


"Sad and Beautiful World", de Mavis Staples

Al contrario que Rosalía, este disco es un más de lo mismo. Pero claro, es un más de lo mismo de la leyenda Mavis Staples, que es lo que queremos siempre. Y además, por partida doble, puesto que se trata de un disco, fundamentalmente, de versiones. Entre ellas, canciones de otras leyendas como Tom Waits o Leonard Cohen.

Lo mejor del disco, la voz de Mavis Staples, que sigue sonando increíblemente bien tras más de 85 años. La producción, impecable, le da todo el protagonismo a su emotividad y aspereza en un diálogo intergeneracional con la historia de la música americana.

Es realmente inspirador y fresco escuchar un disco con soul, góspel, blues, folk y country en una época que parece no invitar a otra cosa más que a la rima fácil, la falta de voz y las bases calcadas. Esto sí que es un manual de resistencia y no el de Pedro Sánchez: creatividad, belleza, luminosidad, esperanza y empatía que no deja de lado el dolor y la dureza del mundo actual. Y todo aplicado con tremenda voz.


"Debí tirar más fotos", de Bad Bunny

Después del comentario del anterior disco, ¿cómo te quedas viendo a Bad Bunny en esta lista? Pues no estoy para encerrar, creo. Este artista, quizá uno de los más representativos de la deriva musical de los últimos tiempos, vino en enero con este disco para cerrar bocas a gente como yo.

Reguetón y trap, pero con sonidos experimentales que hablan de la identidad puertorriqueña, con nostalgia y crítica social. También tiene letras, contenido y esencia al más puro estilo Bad Bunny, con perreo y su propia idea de romanticismo nocturno.

Tenemos bombazos con un sonido global, que son catapultados por videoclips trabajados y campañas en redes sociales, pero el disco tiene intención de ir más allá del pelotazo en streaming y las pistas de baile. Salvando todas las distancias, Bad Bunny se presenta como el Juan Luis Guerra de esta generación, capaz de llevar la música de raíces y la historia latina al mundo entero cuando el común de los mortales veía esta cultura como barriobajera, plastificada y facilona.


"Remembering Now", de Van Morrison

Si Van Morrison saca disco... no puede quedar fuera de una lista representativa de ese año. Y menos si está a la altura de la racha que lleva últimamente. Pero resulta que este "Remembering Now" es un trabajo muy notable, un "discazo" en palabras de Alfonso Cardenal (Sofá Sonoro), dentro de una carrera absolutamente brillante.

Van Morrison vuelve a la senda de los temas propios en lo que muchos consideran uno de sus mejores álbumes entre los casi 50 que ha sacado en 80 años. No es decir poco.

Soul celta, jazz, blues, folk y country con buenos arreglos orquestales que nos da un puñado de temas que, a buen seguro, recordaremos dentro de la dilatada carrera de Van Morrison. "Remembering Now" es una mirada al pasado que evoca recuerdos juveniles y tributos a amigos, pero en pleno año 2025 y con una voz vigorosa impropia del panorama actual.


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Cinco canciones para conocer Incubus

Formados en California en 1991, Incubus comenzó como un proyecto juvenil influenciado por el funk, el metal y el hip hop. Con el tiempo, desarrollaron un sonido único, lleno de matices y siempre dispuesto a explorar nuevos territorios.
La formación clásica incluye a:

  • Brandon Boyd – voz, percusión y poesía

  • Mike Einziger – guitarra, arquitecto sonoro y experimental

  • José Pasillas II – batería orgánica y fluida

  • Dirk Lance / Ben Kenney – bajo

  • DJ Kilmore – turntables, teclados, texturas electrónicas

Lo que distingue a Incubus es su capacidad de mezclar agresividad, espiritualidad, groove, introspección y experimentación, construyendo un estilo que atraviesa géneros sin perder identidad.
Son una banda profundamente emocional, con letras que hablan de:

  • crecimiento personal

  • conciencia del presente

  • amor y pérdida

  • conexión con la naturaleza

  • búsqueda de significado

A lo largo de los 90 y 2000, se consolidaron como uno de los pilares del rock alternativo moderno.


Pardon Me

Inspirada en una crisis personal de Brandon Boyd, es un estallido de ansiedad convertida en catarsis. Mezcla riffs alternativos con un groove explosivo y una letra que habla de quemarse… para renacer. Su mensaje introspectivo marcó la identidad más madura de la banda.


Drive

El mayor éxito comercial de Incubus y una de las canciones más queridas del rock alternativo. Con un tono cálido y acústico, habla del miedo, la libertad y la responsabilidad de elegir tu propio camino. Es íntima, suave y universal.


Wish You Were Here

Un himno luminoso. Nació de un improvisado momento de felicidad plena, mirando el mar en Malibú. Combina riffs atmosféricos con una letra poética que captura la plenitud del presente. Melancólica pero radiante.


Megalomaniac

Un puñetazo político y social. Crítica dura al poder y a la manipulación, envuelta en un sonido más agresivo, casi progresivo. Muestra la faceta más combativa e intelectual de la banda, con guitarras filosas y una estructura compleja.


Love Hurts

Una balada intensa que mezcla melancolía y explosión emocional. Habla del duelo, del amor que duele pero sigue vivo. Su melodía ascendente y su interpretación vulnerables la convirtieron en una de sus canciones más emotivas.


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