Cinco canciones para conocer Alice Deejay

Hay un riff de sintetizador que todo el mundo sabe tararear y un nombre que casi nadie recuerda. Esa es la paradoja de Alice Deejay: firmaron uno de los himnos más reconocibles de la historia del dance y aun así el gran público sigue sin saber quién estaba detrás. Ni siquiera era una persona. Ni siquiera era, en el sentido clásico, un grupo.

Alice Deejay fue un proyecto de estudio nacido en Ámsterdam a finales de los 90, creado por un equipo de productores holandeses con Judith Pronk como voz y cara visible. Su single "Better Off Alone" se convirtió en un éxito mundial, y en marzo de 2000 publicaron su único álbum, Who Needs Guitars Anyway?, que entró en el top 10 británico y superó el millón de copias vendidas. En 2002 el proyecto se disolvió. Historia completa: apenas cuatro años.

Lo que les diferencia está en el propio título del disco: ¿quién necesita guitarras? En plena era del nu-metal y el brit-rock, unos productores holandeses plantaron esa pregunta en la portada de un álbum de trance-pop. Y el tiempo les dio la razón: aquel sonido limpio y eufórico anticipó el dominio holandés de la música electrónica global que décadas después encarnaría Martin Garrix. Alice Deejay no era una banda: era una fórmula. Y funcionó.

Better Off Alone

El himno. Número 2 en las listas británicas, disco de platino y un riff que lleva más de veinticinco años sonando en pistas, festivales y samples ajenos. Si solo escuchas una canción de esta lista, es esta: es la definición misma del eurodance de fin de milenio.

Back in My Life

La prueba de que no eran flor de un día. Repite la fórmula del debut —sintetizador punzante, voz etérea, euforia melancólica— y vuelve a funcionar en toda Europa. Para quien piense que Alice Deejay fue cosa de una sola canción, este es el contraargumento.

Will I Ever

El tercer single mantiene el pulso pero endurece el sonido, con una producción más cercana al trance de club que al pop de radio. Es la favorita de quienes vivieron aquellas pistas de baile de primera mano y la puerta de entrada ideal para el oyente de techno melódico actual.

The Lonely One

La cara más melancólica del proyecto, y la que mejor demuestra que debajo de la euforia había canciones de verdad. La tristeza bailable es un arte difícil, y aquí lo bordan. Para quien conecta con ese dance que se canta con un nudo en la garganta.

Celebrate Our Love

El último single relevante del proyecto y su despedida en clave luminosa. No alcanzó la repercusión de sus predecesores, pero cierra el círculo de un catálogo breve y sorprendentemente coherente. Para completistas y para quien quiera escuchar cómo suena el final de una era.

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Cinco canciones para conocer Pitbull

Es muy fácil hacer chistes con Pitbull: el traje, las gafas, el "dale", el grito de Mr. Worldwide. Lo difícil es explicar cómo un rapero de barrio de Miami, sin la credibilidad de la crítica ni el favor de los puristas, acabó siendo una de las presencias más constantes del pop global durante más de una década. Nadie ha construido tanto imperio siendo tan sistemáticamente subestimado.

Armando Christian Pérez (Miami, 1981), hijo de inmigrantes cubanos, empezó en la escena del crunk sureño con su debut M.I.A.M.I. (2004), rapeando en spanglish cuando eso todavía no era una estrategia comercial sino una seña de identidad. El salto global llegó en 2009 con "I Know You Want Me (Calle Ocho)", y a partir de ahí encadenó una racha de éxitos que lo instaló en todas las pistas de baile del planeta.

Lo que le diferencia de contemporáneos como Flo Rida, con quien comparte fórmula de rap radiable sobre bases dance, es el personaje: Pitbull convirtió su propia marca en el producto. No vende canciones, vende una fiesta permanente con él como anfitrión — y esa claridad de propósito, se compre o no, es la razón de que siga en pie cuando tantos one-hit wonders del dance-pop de los 2010 desaparecieron.

I Know You Want Me (Calle Ocho)

El punto de inflexión de su carrera: el single de 2009 que lo sacó de la escena de Miami y lo convirtió en fenómeno mundial. Un loop hipnótico, cuatro frases y cero pretensiones. Para entender el momento exacto en que el reguetón-dance de Miami conquistó las radios europeas.

Hotel Room Service

Del mismo año 2009, y la confirmación de que Calle Ocho no era casualidad. Construida sobre un sample house, es la plantilla de todo lo que vendría después: rap juguetón, producción de club y estribillo imposible de sacarse de la cabeza. Para los que vivieron las pistas de baile de finales de los 2000.

Give Me Everything (feat. Ne-Yo, Afrojack & Nayer)

Su primer número 1 en el Billboard Hot 100 (2011) y probablemente su canción más completa: la voz de Ne-Yo, la producción de Afrojack y Pitbull haciendo exactamente lo que mejor sabe hacer. El vídeo ha superado los mil millones de visualizaciones en YouTube. La cima comercial del eurodance-pop de aquella década.

International Love (feat. Chris Brown)

Del álbum Planet Pit (2011), la canción que mejor resume el personaje de Mr. Worldwide: un itinerario de ciudades convertido en declaración de intenciones. Alcanzó el puesto 13 del Hot 100. Para quien quiera el Pitbull más melódico y menos club.

Timber (feat. Kesha)

Su mayor éxito de streaming: la canción más escuchada en Spotify tanto de Pitbull como de Kesha. Aquel giro country-dance de 2013, con armónica incluida, parecía una broma y acabó siendo uno de los himnos más duraderos de la década. Si alguien dice que no la ha bailado, miente.

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Cinco canciones para conocer Bulego

Hay grupos que nacen para ocupar un hueco que nadie había pedido en voz alta. En Euskal Herria, durante décadas, cantar en euskera significaba casi siempre guitarras distorsionadas o folk de raíz. Bulego llegó y demostró que también se podía hacer pop luminoso, bailable y masivo en euskera — y que ese pop podía sonar en Japón, en Estados Unidos o en París sin traducirse ni pedir permiso.

El grupo se formó en 2019 en Azkoitia (Gipuzkoa): Tomas Lizarazu (voz), Itziar Beitia (teclados), Jon Larrañaga (bajo), Rubén Lizarralde (guitarra) y Xabier Arrieta (batería). Tras dos EPs publicados en 2020, debutaron en largo con Erdian oraina (2021) y se convirtieron en muy poco tiempo en el nombre más repetido de la nueva escena euskaldun, con varios números 1 en las listas de la radio Gaztea.

Lo que les separa de sus contemporáneos es la naturalidad con la que fusionan pop y electrónica sin complejos ni deudas con el rock vasco de las generaciones anteriores. Forman parte de una ola de renovación del pop en euskera — la misma que ha dado nombres como Latzen — pero nadie ha llevado esa fórmula tan lejos ni tan rápido como ellos.

Hegan

Uno de sus primeros singles, publicado en 2020, y la carta de presentación de su sonido: sintetizadores brillantes, estribillo inmediato y esa sensación de despegue que le da título. Para quien quiera entender por qué Bulego conectó tan rápido con el público joven, este es el punto de partida.

Bueltan da!!!

Elegida canción del verano de 2021 por Gaztea, y no por casualidad: es puro himno festivo, pensado para plazas y festivales. Si solo vas a escuchar una canción suya para saber a qué suenan cuando aprietan el acelerador, que sea esta.

Pizten ari da

Otro de sus números 1 en Gaztea, un canto a vivir el momento rodeado de los tuyos. Aquí se ve su mejor virtud: hacer canciones optimistas sin caer en lo naif. Para quien busque pop de euforia bien construida.

Zure Begi Horiek

La cara emocional del grupo y una de sus canciones más queridas, hasta el punto de que ha sido versionada en el programa Go!azen de ETB. Demuestra que debajo de los sintetizadores hay un grupo que sabe escribir baladas que se quedan. Para el que crea que Bulego es solo fiesta.

Ezer Ez Da Berdina (feat. MAREN)

Su colaboración con MAREN, otra de las voces clave del pop euskaldun actual. Un dueto que suma dos maneras de entender la misma escena y que funciona como puerta de entrada al resto de la nueva música en euskera.

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Cinco canciones para conocer Martin Garrix

A los 17 años, un adolescente holandés colgó una demo que ningún sello grande quería y se convirtió, casi sin proponérselo, en el productor de baile más escuchado del planeta. Ese es el punto de partida de Martin Garrix: nunca fue el DJ de club que conquistó el mainstream poco a poco, fue mainstream desde el minuto uno, y aun así ha construido una carrera con más recorrido artístico del que su etiqueta de "niño prodigio del EDM" sugiere.

Martijn Garritsen nace en 1996 en Amstelveen, Países Bajos. Aprende guitarra de pequeño y en la adolescencia se pasa a la producción electrónica. En 2013, con solo 17 años, publica "Animals" en Spinnin' Records: el tema se convierte en un fenómeno mundial y lo hace el productor más joven en llegar al número uno de Beatport. En 2015 rompe con Spinnin' por el control de sus propios másters y en 2016 funda su propio sello, Stmpd Rcrds, una decisión poco habitual en alguien tan joven y ya tan rentable para la industria.

Mientras buena parte de sus contemporáneos del big room se quedaron atrapados en el drop y el circuito de festivales, Garrix empezó a cruzar el pop y el house melódico con colaboraciones junto a Bebe Rexha, Dua Lipa o Troye Sivan, sin renunciar del todo a la pista de baile. Ha sido número uno del ranking DJ Mag en cinco años distintos —2016, 2017, 2018, 2022 y 2024—, algo que muy pocos han logrado, y aun así buena parte de su catálogo suena más a canción con estructura pop que a herramienta de DJ.

Animals (2013)

El instrumental que lo lanzó todo. A los 17 años convirtió el big room en un fenómeno que funcionaba igual en un festival que en la radio generalista, con un drop tan simple que acabó siendo el sonido por defecto del EDM de toda una década. Si solo vas a escuchar una cosa de Garrix, es esta.

In the Name of Love, con Bebe Rexha (2016)

El giro hacia el pop. Garrix cambia el drop agresivo por una producción atmosférica y deja que la voz de Bebe Rexha lleve el peso emocional del tema. Funcionó: más de 900 millones de reproducciones en YouTube y la prueba de que sabía escribir canciones, no solo pistas de baile.

Scared to Be Lonely, con Dua Lipa (2017)

Antes de que Dua Lipa fuera Dua Lipa a nivel de estrella global, esta colaboración con Garrix ya apuntaba maneras. Una balada electrónica sobre el miedo a quedarse solo tras una ruptura, con un estribillo pensado para la radio y no para el festival.

There For You, con Troye Sivan (2017)

Garrix se aleja del big room y coquetea con un synth-pop más introspectivo junto a Troye Sivan. Menos pensada para el escenario y más para los auriculares: una de sus colaboraciones con más carga emocional, y para quien solo lo conozca por sus himnos de festival, una sorpresa.

High on Life, con Bonn (2018)

Estrenada en directo, en su propio cierre de Tomorrowland 2018, con Bonn subiendo al escenario a cantarla por primera vez ante el público. Un himno sobre vivir el presente que resume bien su instinto para convertir un concierto en un acontecimiento.

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Sentio (2022), su primer álbum de estudio y el disco donde más se nota que detrás del DJ hay un compositor con oficio: disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon.

Cinco canciones para conocer Flo Rida

Flo Rida nunca ha fingido ser el mejor rapero de su generación. Su juego es otro: coger un gancho reconocible de cualquier década —un sample ochentero, una pista de EDM europea, un riff de funk de los setenta— y convertirlo en el estribillo que suena en cualquier boda, anuncio o pista de baile del mundo. Pocos artistas han entendido tan bien que un hit no necesita ser original, necesita ser inevitable.

Nacido Tramar Lacel Dillard en 1979 en el barrio de Carol City, Miami Gardens, creció rodeado de la cultura del rap del sur de Florida: su madre cantaba gospel de forma amateur y una de sus hermanas llegó a hacer coros para 2 Live Crew. Tras años en el grupo amateur GroundHoggz, firmó con el sello local Poe Boy Entertainment en 2006 y debutó en 2008 con Mail on Sunday, el álbum que lo lanzó a nivel global casi de inmediato gracias a un solo single.

Lo que lo separa de otros raperos-pop de su época es que nunca ha construido discos como propuesta artística cerrada: su carrera es una sucesión de singles autónomos, cada uno pensado como maquinaria de club independiente. Mientras otros perseguían coherencia de álbum, Flo Rida perseguía la próxima pista que sonara igual de bien en la radio matinal que a las tres de la madrugada.

Low (feat. T-Pain)

Su carta de presentación en 2008: un bajo brutal, el autotune ya icónico de T-Pain y un estribillo diseñado para camisetas de dos tallas menos. Pasó diez semanas en el número uno del Billboard Hot 100 y definió el sonido de club de finales de los 2000. Para quien quiera entender cómo sonaba una discoteca americana justo antes de la crisis de 2008, es el punto cero.

Right Round (feat. Ke$ha)

Sample directo de "You Spin Me Round (Like a Record)" de Dead or Alive, reciclado en pleno revival del synth-pop de finales de los 2000. Fue su segundo número uno en Estados Unidos y la prueba de que la fórmula funcionaba en serie: coger un gancho de los ochenta que todo el mundo reconoce y vestirlo de producción de club actual.

Good Feeling

El ejemplo más curioso de su método: samplea "Levels" de Avicii, que a su vez samplea "Something's Got a Hold on Me" de Etta James. Tres décadas y tres géneros distintos —soul, EDM y rap comercial— condensados en un solo estribillo. Le puede interesar tanto a quien busca temazo de fiesta como a quien quiera tirar del hilo de dónde viene realmente ese "sometimes I get a good feeling".

Whistle

Número uno en 2012 con una letra de doble sentido tan obvia que se convirtió en meme antes de que "meme" fuera la palabra que usamos hoy. Por debajo del chiste fácil hay un ejemplo perfecto de cómo sonaba el pop americano justo en el pico de saturación del EDM comercial en la radio.

GDFR (feat. Sage the Gemini y Lookas)

Diez años después de "Low", Flo Rida seguía en el mismo negocio: aquí el sample es el riff de saxo de "Low Rider" de War, pasado por el remix de Lookas y aterrizado en el sonido trap-pop de mediados de la década de 2010. Prueba de que su fórmula —samplear lo clásico, vestirlo de actual— sigue funcionando generación tras generación.

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Mail on Sunday: disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon.