Cinco canciones para conocer Calle 13

Dos hermanastros de San Juan que se conocían por los apodos que usaban para pasar el control de seguridad del edificio -uno era "el residente", el otro "el visitante"- no deberían haber terminado siendo el acto de música urbana con más Grammy de la historia. Y sin embargo ahí están: 21 Grammy Latinos y 3 Grammy, más que nadie en su categoría, logrados metiendo candombe uruguayo, cumbia y murga dentro de canciones de rap con letras que atacaban directamente al poder. Calle 13 nunca encajó en ninguna casilla, y esa fue exactamente la fórmula.

René Pérez Joglar (Residente) y Eduardo Cabra Martínez (Visitante) empezaron a subir maquetas a internet en 2004; un año después publicaron su álbum debut homónimo. Pronto se sumó como voz femenina su media hermana Ileana Cabra, "PG-13". El sonido combinaba rap con ritmos folclóricos latinoamericanos -son, plena, cumbia, candombe- y letras satíricas que mezclaban humor procaz, denuncia social y política sin pedir permiso a nadie.

Mientras buena parte del rap y el reguetón en español de la época apostaba por la pista de baile sin fricción, Calle 13 metía crítica al colonialismo, la desigualdad y el poder en canciones que igualmente sonaban en la radio. Y en lugar de buscar colaboraciones con otros raperos, se aliaron con Totó la Momposina, Susana Baca o la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar. Esa mezcla de fiesta y panfleto es lo que ningún contemporáneo suyo replicó.

Atrévete-Te-Te

El single que los presentó al mundo en 2005: un pregón sobre romper la timidez y salir a bailar, con Residente rapeando a toda velocidad sobre una base que suena a fiesta de barrio. Ganó el Grammy Latino a Mejor Video Musical de Formato Corto y sigue siendo la puerta de entrada obligatoria para quien no los conoce.

Pa'l Norte (feat. Orishas)

Del álbum "Residente o Visitante" (2007), esta colaboración con los cubanos Orishas habla de la emigración hacia el norte sin caer en el lugar común: hay rabia, hay ironía y hay orgullo. Le va a llegar a cualquiera que tenga a alguien de su familia viviendo lejos por necesidad.

Vamo' a Portarnos Mal

Single de 2010 que resume el lado más gamberro y desinhibido del grupo: una invitación directa al descontrol con una producción que mezcla electrónica y ritmos caribeños. Para quien busque el Calle 13 menos solemne y más fiesta.

Latinoamérica

Su canción más ambiciosa: un himno panamericano con Totó la Momposina, Susana Baca y Maria Rita que ganó Grabación y Canción del Año en los Grammy Latinos de 2011. Aquí el grupo deja el sarcasmo a un lado y construye algo cercano a la épica. Imprescindible para entender por qué se les tomó en serio más allá de la polémica.

La Vuelta al Mundo

Un vídeo dirigido por Juan José Campanella que sigue a un anciano en silla de ruedas recorriendo el planeta al ritmo de una canción sobre viajar y desprenderse del miedo. De las piezas más emotivas de su catálogo, alejada del rap combativo habitual del grupo.

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Entren Los Que Quieran (2010): disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon.

Cinco canciones para conocer Rihanna

Rihanna es la única superestrella pop de su generación que ha conseguido ser más poderosa fuera de los escenarios que dentro de ellos, y lo ha hecho sin renunciar a ninguno de los dos terrenos. Lleva desde 2016 sin publicar disco, factura miles de millones con una marca de cosmética que cambió las reglas de esa industria, y aun así sigue siendo, disco tras disco, una referencia obligada para entender hacia dónde ha ido el pop del siglo XXI. Pocas carreras aguantan tanto silencio discográfico sin perder relevancia.

Robyn Rihanna Fenty nació el 20 de febrero de 1988 en Saint Michael, Barbados, y creció escuchando reggae. En 2003, con solo 15 años, audicionó para el productor Evan Rogers, que la llevó a Nueva York; dos años después debutó con Music of the Sun y el single "Pon de Replay". El verdadero salto llegó con Good Girl Gone Bad (2007), el disco que la sacó del sonido caribeño de sus inicios y la instaló de lleno en el dance-pop internacional.

Mientras buena parte de sus contemporáneas de los 2000 se aferró a una fórmula reconocible una vez que funcionó, Rihanna cambió de piel en cada álbum: del dancehall al dance-pop de estadio, del R&B introspectivo y áspero de Anti (2016) a colaboraciones que cruzaban hip-hop, dubstep y baladas sin que ninguna sonara a cálculo de mercado. Esa misma lógica de romper el molde la llevó, en 2017, a lanzar Fenty Beauty con 40 tonos de base de maquillaje cuando el estándar de la industria eran media docena: volvió a reventar un sector entero exactamente igual que había hecho con el pop.

Umbrella (ft. JAY-Z)

El single que la convirtió en icono en 2007: diez semanas en el número 1 del Reino Unido y un lugar fijo en las listas de las mejores canciones de la historia según Rolling Stone. El "ella, ella, eh" del estribillo es de esos ganchos que se reconocen con dos notas. Para quien quiera entender el momento exacto en que Rihanna dejó de ser una promesa para ser una estrella global.

Stay (ft. Mikky Ekko)

Publicada en 2012, es la cara opuesta de sus himnos de pista de baile: una balada de piano casi desnuda que muestra el registro vocal más frágil de su carrera. Certificada disco de diamante, demostró que podía vender tanto en silencio como a todo volumen. Para quien solo conozca su lado más bailable y quiera escuchar lo contrario.

Diamonds

Escrita por Sia y publicada en 2012, es un himno de resiliencia y autoafirmación que suena tan bien en un estadio como en un funeral. Superó los dos mil millones de visitas en YouTube y sigue siendo una de sus canciones más versionadas en directo por otros artistas. Para quien busque el Rihanna más universal, el que trasciende el pop de temporada.

Work (ft. Drake)

Primer single de Anti (2016), con un patois jamaicano que muchos oyentes anglosajones ni siquiera intentaron descifrar y que, precisamente por eso, se volvió hipnótico. Certificada disco de diamante en Estados Unidos. Para quien quiera el Rihanna más fiel a sus raíces caribeñas, sin traducir nada para nadie.

Love on the Brain

También de Anti, es la canción que la crítica señala como su mejor interpretación vocal: un homenaje al doo-wop y al soul de los sesenta con una voz rota y sucia a propósito, muy lejos del pulido de sus primeros discos. Para quien quiera escuchar hasta dónde llega Rihanna cuando decide dejar de sonar "radiofórmula".

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Anti, el disco que la crítica sitúa como su pico artístico: disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon.

Cinco canciones para conocer Neneh Cherry

En noviembre de 1988, embarazada de ocho meses, Neneh Cherry subió al escenario de Top of the Pops a cantar "Buffalo Stance" con la tripa por delante y ninguna intención de disimularla. No fue un gesto calculado de márketing: fue la imagen que resumió su carrera entera. Nunca pidió permiso para cruzar géneros, ni para ocupar espacios que no estaban pensados para ella.

Neneh Marianne Karlsson Cherry nació en Estocolmo el 10 de marzo de 1964, hija de la pintora Moki Karlsson y el músico Ahmadu Jah. Su padrastro, el trompetista de jazz Don Cherry, la introdujo en la música y le dio el apellido. A los 14 años dejó el colegio y se mudó a Londres, donde se curtió en la escena post-punk tocando con The Slits y Rip Rig & Panic antes de publicar en 1989 su álbum debut, Raw Like Sushi, coproducido junto a su marido Cameron McVey.

Mientras la mayoría de estrellas pop de finales de los 80 se quedaban dentro de un carril de género, Cherry mezclaba hip-hop, funk, punk y electrónica en la misma canción sin que sonara a experimento forzado. Coescribió temas con Robert Del Naja de Massive Attack, cantó a dúo con Youssou N'Dour, y décadas después de su primer single sigue publicando con productores de vanguardia. Pocas carreras del pop británico-sueco han cruzado tantas escenas sin perder criterio propio.

Buffalo Stance

Su primer single y su tarjeta de presentación: una mezcla de hip-hop, funk y crítica social que llegó al número 3 en Reino Unido y Estados Unidos. Habla de dinero, de clase y de tíos que presumen sin sustancia, con el "buffalo stance" de la calle londinense convertido en estribillo pegadizo. Para quien quiera entender cómo sonaba el cruce entre punk y hip-hop antes de que nadie lo llamara así.

Manchild

Segundo single de Raw Like Sushi y la primera canción que Cherry compuso en su vida, con un teclado Casio y siete acordes que nadie le había enseñado a tocar. Coescrita con Robert Del Naja de Massive Attack, mezcla soul y trip-hop incipiente en una balada sobre un hombre que se niega a crecer. Para quien busque el lado más íntimo detrás del éxito comercial.

Kisses on the Wind

Tercer single del mismo álbum, número 8 en Estados Unidos, y una vuelta a los años de instituto: la historia de una chica que madura antes que las demás y se convierte, por eso, en el centro de todas las miradas. Pop con acento caribeño y una letra que entiende la adolescencia sin condescendencia. Para quien recuerde ser el primero o la primera de su clase en crecer.

7 Seconds (con Youssou N'Dour)

Dúo con el senegalés Youssou N'Dour, número 1 en Francia durante dieciséis semanas seguidas y premio al mejor tema del año en los MTV Europe Music Awards de 1994. La letra habla de los primeros siete segundos de vida de un recién nacido, ajeno todavía a los problemas del mundo. Para quien quiera un ejemplo de cómo un dúo entre dos continentes puede sonar universal sin edulcorar nada.

Woman

Del álbum Man (1996), una respuesta directa a "It's a Man's Man's Man's World" de James Brown, escrita junto a su marido Cameron McVey. Convierte el sample de partida en manifiesto sin perder la melodía pop, y fue top 10 en Reino Unido y media Europa. Para quien quiera ver cómo Cherry dialogaba con la historia de la música negra sin quedarse en el homenaje fácil.

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Raw Like Sushi: disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon.

Cinco canciones para conocer Zetak

Un grupo que canta en euskera y llena arenas de 15.000 personas sin traducir una sola letra: eso es Zetak. No hay concesión al castellano, no hay versión "para todos los públicos" — y precisamente esa falta de atajos es lo que ha construido su credibilidad.

Zetak es el proyecto que el navarro Pello Reparaz levantó en 2019 tras la disolución de Vendetta, la banda de ska en la que había militado desde 2007. Junto a Leire Colomo (percusión), Iban Larreburu (batería) y Gorka Pastor (sintetizadores), Reparaz construyó un pop electrónico en euskera que en solo cinco años pasó de un primer single a llenar el Navarra Arena dos noches seguidas con 30.000 espectadores.

Lo que separa a Zetak de otros proyectos electrónicos vascos es la ambición de cruce: colaboran con Bomba Estéreo, con los catalanes Oques Grasses, con el txalapartari Erramun Martikorena. No se quedan dentro del circuito euskaldun ni dentro del pop de festival — buscan el choque de estilos como método de trabajo, y el resultado ha sido premios al mejor álbum vasco (MIN, 2021) y a mejor artista y mejor disco en los Premios Gaztea (2024).

Errepidean

El primer single de Zetak, publicado en junio de 2019. Es la canción fundacional del proyecto y la que definió su sonido: electrónica luminosa cantada en euskera sin complejos. Superó el millón de escuchas y sigue siendo el punto de entrada obligado para quien no conoce al grupo.

Zeinen ederra izango den

Publicada en abril de 2020, en pleno confinamiento por el Covid-19. El videoclip se construyó con fotos y vídeos que los propios fans enviaron de sus momentos más felices — una decisión sencilla que convirtió la canción en un fenómeno con casi tres millones de visitas. Le valió a Zetak el premio al Mejor Álbum Vasco en los Premios MIN 2021.

Hitzeman (con Oques Grasses)

Colaboración con la banda catalana Oques Grasses, lanzada en noviembre de 2020, cantada mitad en euskera mitad en catalán. Es la prueba de que Zetak no entiende su lengua como frontera sino como material de trabajo: dos idiomas minoritarios compartiendo el mismo estribillo sin que ninguno ceda terreno al castellano.

Zoriontasuna (La vida es de verdad) (con Bomba Estéreo)

Publicada a finales de agosto de 2022 junto a los colombianos Bomba Estéreo, une electropop vasco con tropical bass caribeño. Para quien piense que la música en euskera es un circuito cerrado, esta canción es la respuesta directa: cruza el Atlántico sin perder identidad.

Zu

Sencillo principal del álbum Aaztiyen, publicado en octubre de 2023. Marca la entrada de Zetak en un sonido más maduro y menos festivalero que sus primeros trabajos, y confirmó su consolidación con el premio a mejor artista y mejor disco en los Premios Gaztea 2024.

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Aaztiyen: disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon.

Cinco canciones para conocer Eric Prydz

En una escena dominada por egos y nombres de marca, Eric Prydz ha construido una carrera de más de veinte años sobre el anonimato deliberado: publica bajo tres alias distintos (Pryda, Cirez D y su propio nombre), apenas concede entrevistas, y aun así ha llenado el Madison Square Garden y ha encadenado varias nominaciones al Grammy. Su show en directo con hologramas 3D masivos se convirtió en una referencia técnica para toda la industria antes de que nadie más se atreviera a intentarlo.

Eric Sheridan Prydz nació el 19 de julio de 1976 en Täby, cerca de Estocolmo. Empezó a producir en 2001 y publicó su primer single en solitario, "Woz Not Woz", en 2002. Tres años después, "Call on Me" (2004) —construida sobre un sample de "Valerie" de Steve Winwood— pasó seis semanas en el número 1 del Reino Unido y vendió más de 2,5 millones de copias, convirtiéndolo en una de las grandes estrellas del house progresivo europeo. Dirige sus propios sellos: Pryda Recordings, Pryda Friends y Mouseville.

A diferencia de gran parte de la generación EDM que le siguió, pensada para festivales masivos y drops explosivos, Prydz construyó su carrera sobre el progressive house clásico: capas hipnóticas, tensión progresiva y melodías que tardan minutos en estallar. Nunca ha perseguido el pop de radio a toda costa —su gran éxito comercial, "Call on Me", fue casi accidental dentro de su discografía— y prefiere sets de club de larga duración a shows de festival de una hora. Esa coherencia es la razón de que productores de generaciones posteriores lo sigan citando como referencia.

Call on Me

El single que le catapultó a la fama mundial en 2004, con un vídeo de aeróbic tan polémico como exitoso en ventas. Bajo la controversia había una producción impecable: un sample vocal de Steve Winwood convertido en gancho imposible de olvidar. Para quien quiera entender el house de mediados de los 2000 desde su pico comercial.

Proper Education

Su versión de "Another Brick in the Wall, Part II" de Pink Floyd, publicada en 2006-2007 con un vídeo de parkour protagonizado por Daniel Ilabaca. Llegó al número 2 en Reino Unido y le valió una nominación al Grammy al Mejor Remix. Para quien piense que el house progresivo no puede tocar un clásico del rock sin destrozarlo.

Pjanoo

Publicada en 2008, es probablemente su producción más venerada dentro de la escena: un piano hipnótico que construye tensión durante minutos antes de soltar la melodía completa. Sigue sonando en sets de DJs de todo el mundo casi dos décadas después. Para el oyente que quiere el progressive house en estado puro.

Opus

Tema instrumental de 2015 considerado por crítica y público como su obra maestra, y que da nombre a su álbum debut, Opus (2016). Una progresión construida para desplegarse en minutos, no en segundos, que resume toda su filosofía de producción. Para quien tenga tiempo de dejarse llevar sin prisa.

Generate

Tercer single de Opus, con un vídeo dirigido por el estudio GMUNK (detrás de los efectos visuales de Tron: Legacy y Oblivion), construido con una instalación real de espejos y sin CGI. Para quien busque la faceta más visual y de espectáculo en directo de Prydz.

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Opus: disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon.