Cinco canciones para conocer John Mayall & the Bluesbreakers

Hay bandas que no has escuchado y que sin embargo ya han llegado a ti. Los Bluesbreakers de John Mayall son exactamente eso: la cantera que formó a Eric Clapton, Peter Green, Mick Taylor, Jack Bruce y John McVie antes de que se convirtieran en leyendas. El problema es que la sombra de sus alumnos ha dejado en segundo plano el trabajo de la banda que los creó.

John Mayall fundó los Bluesbreakers en Manchester en 1963 y pronto se trasladó a Londres. Pianista, armonicista y cantante, construyó una especie de conservatorio del blues británico con una formación siempre en rotación. El disco fundamental es Blues Breakers with Eric Clapton (1966). Le siguieron A Hard Road (1967), con Peter Green al frente, y Crusade (1967), con Mick Taylor. Un trío de álbumes que define un período sin equivalente en el blues rock europeo.

Lo que diferenciaba a los Bluesbreakers no era solo la calidad de sus guitarristas, sino la filosofía de Mayall: dar espacio, no dominar. Mientras el rock británico apostaba por el espectáculo y la psicodelia, él mantenía la fidelidad al blues americano de Freddie King, Robert Johnson y Otis Rush. Esa austeridad fue, paradójicamente, el caldo de cultivo del que nació Cream y buena parte del rock que vino después.

All Your Love

La carta de presentación del álbum de 1966. Basada en una composición de Otis Rush, Clapton convierte este blues en la demostración más concentrada de su talento: phrasing perfecto, tono inconfundible y una intensidad que no admite comparaciones. El punto de entrada ideal para quien nunca ha escuchado a los Bluesbreakers.

I'm Your Witchdoctor

Editada como single en 1965, antes del álbum seminal. Es el primer gran momento de Clapton con la banda: crudo, urgente, con una forma de atacar el riff que sonaba a algo que el rock británico no había escuchado antes. Para quien quiera entender de dónde salió el Clapton de Cream.

Hideaway

Versión del instrumental de Freddie King (1960). Clapton lo transforma en una exhibición de velocidad, fluidez y músculo sin un gramo de exceso. Es la demostración de que la guitarra de blues puede ser tan sofisticada como cualquier otro lenguaje. Ideal para guitarristas y para quien disfruta de la técnica al servicio de la emoción.

The Supernatural

Instrumental del álbum A Hard Road (1967), con Peter Green ya al frente de la guitarra. Es un ejercicio de contención y atmósfera que anticipa directamente lo que vendría después con Fleetwood Mac. Si Clapton era fuego, Green era niebla: más misterioso, más oscuro, igualmente hipnótico.

Steppin' Out

Blues shuffle clásico en el que Clapton demuestra que el groove importa tanto como la velocidad. Más relajada y bailable que el resto del álbum, muestra la cara más directa y festiva del grupo. Para quienes prefieren el blues sin complicaciones, esta es la puerta.

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Cinco canciones para conocer Latzen

Hay bandas que, desde la primera nota, dejan claro de dónde vienen. Latzen es una de ellas. Cantando en euskera y tocando heavy metal desde Oñati (Gipuzkoa), crearon algo que no existe en ningún otro lugar: un sonido propio, anclado en una identidad cultural que no imita ni concede.

Formados en 1993 por Aitor Uriarte (voz y guitarra), Joxe Mari Azpitarte (bajo) y Gorka Lazkano (batería), publicaron dos álbumes en los años 90 —Kontzientzia Ala Infernua (1996) y Ardi Larruz (2001)— que les dieron una base de seguidores sólida en Euskadi antes de desaparecer. En 2025 regresaron con su tercer disco, Denboraren Orbainak (Cicatrices del tiempo), demostrando que el silencio de dos décadas solo había afilado lo que ya sabían hacer.

Su propuesta combina heavy melódico con toques thrash, capaz de pasar de una balada que corta hondo a un riff que lo aplasta todo, siempre desde la autenticidad de quien no compone para encajar en ningún formato.

Laztana

Su canción más conocida y la que mejor resume lo que Latzen puede hacer cuando bajan la guardia. Una balada en euskera de una belleza poco habitual en el metal. Si solo vas a escuchar una canción, que sea esta.

Ze Ingo Xu?

De su primer álbum (Kontzientzia Ala Infernua, 1996), muestra el lado más directo y contundente de la banda. Riffs pesados, ritmo sin concesiones y la energía de quien sabe exactamente lo que quiere decir.

Itsutu

Del segundo disco (Ardi Larruz, 2001). Más elaborada, combina potencia y melodía con una madurez que apunta hacia el sonido que explorarían en su regreso.

Txori txarrak

La apertura de Denboraren Orbainak (2025), su disco del regreso. Pesada y directa, sin adornos innecesarios. Deja claro desde el primer segundo que 27 años no han suavizado nada.

Eutsi!

La cara más accesible del disco de regreso. Sin perder identidad, abre la música de Latzen a un público más amplio sin renunciar a lo que son. En euskera, como siempre.

Si quieres profundizar, el punto de partida ideal es Kontzientzia Ala Infernua (1996): disponible en Amazon Music y en edición física en Amazon. Su último disco, Denboraren Orbainak, también merece la escucha completa: búscalo en Amazon.

Cinco canciones para conocer Faithless

Formados en Londres en 1995, Faithless fueron uno de los proyectos más importantes e inteligentes de la música electrónica británica.

Mientras gran parte de la música de baile de los 90 estaba enfocada exclusivamente en la pista, Faithless apostó por algo diferente: combinar electrónica sofisticada con contenido emocional, filosófico y espiritual.

La voz grave y reflexiva de Maxi Jazz se convirtió en una de las más reconocibles de la electrónica, aportando profundidad a canciones que podían funcionar tanto en un club como en una escucha íntima.


Insomnia

Su obra más famosa y uno de los himnos definitivos de la música electrónica de los 90. Construida alrededor de la imposibilidad de dormir, combina spoken word, tensión creciente y una explosión instrumental inolvidable. Un clásico absoluto.


God Is a DJ

Una celebración de la música como experiencia colectiva y casi espiritual. Con un mensaje simple pero poderoso, convirtió la pista de baile en un lugar de comunión y trascendencia.


We Come 1

Probablemente su canción más accesible y universal. Melódica, emocional y elegante, habla de conexión humana y unidad. Es uno de los grandes himnos electrónicos del cambio de milenio.


Salva Mea

Intensa, oscura y profundamente espiritual. Explora la ansiedad, la fe y la búsqueda de redención mediante una combinación magistral de house progresivo y narrativa introspectiva.


Mass Destruction

La faceta más política de Faithless. Una crítica a la manipulación, el miedo y la violencia contemporánea. Demuestra que la música electrónica también puede ser una herramienta de reflexión social.



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Cinco canciones para conocer Blind Faith

Blind Faith fue una de las primeras grandes superbandas de la historia del rock. Formada en 1969, reunió a músicos que ya eran figuras destacadas de la escena británica: Eric Clapton, Steve Winwood, Ginger BakerRic Grech.

La expectativa era gigantesca. Sin embargo, el grupo solo duró unos meses y publicó un único álbum. Paradójicamente, esa brevedad es parte de su leyenda.

A diferencia de Cream, donde predominaba la confrontación instrumental, Blind Faith apostó por un sonido más abierto, melódico y espiritual, impulsado por la sensibilidad compositiva de Steve Winwood.


Can't Find My Way Home

La obra maestra del grupo. Escrita y cantada por Steve Winwood, combina folk, soul y una profunda sensación de búsqueda interior. Su sencillez es engañosa: pocas canciones transmiten tanta emoción con tan pocos elementos.


Presence of the Lord

Una de las primeras grandes composiciones de Eric Clapton. Espiritual y contemplativa, refleja la búsqueda personal que atravesaba el guitarrista tras el final de Cream. El solo final es uno de los más elegantes de su carrera.


Had to Cry Today

Blues rock musculoso, con magníficos intercambios entre la guitarra de Clapton y el órgano de Winwood. Muestra el lado más poderoso del grupo.


Sea of Joy

Composición de Steve Winwood que mezcla folk, rock y atmósferas pastorales. Representa el carácter más luminoso y optimista de la banda.


Do What You Like

La cara más experimental del proyecto. Una larga improvisación construida alrededor de la batería de Ginger Baker, que refleja el espíritu libre y exploratorio de finales de los 60.


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Cinco canciones para conocer Cream

Formados en Londres en 1966, Cream fue uno de los primeros grandes power trios del rock, compuesto por Eric Clapton (guitarra y voz), Jack Bruce (bajo, voz y composición) y Ginger Baker (batería).

Cada miembro ya era un músico destacado en la escena británica, pero juntos crearon algo nuevo: una banda donde todos eran protagonistas, empujando los límites técnicos y expresivos del rock.

Cream fusionó blues eléctrico con rock psicodélico, metiendo notas de improvisación jazzística. Y lo llevó a un terreno más intenso, más libre y más ruidoso.

Sus canciones en estudio eran solo el punto de partida: en directo, podían transformarse en largas improvisaciones donde cada instrumento tenía espacio para brillar.

Aunque su carrera fue breve (1966–1968), su impacto fue enorme: sentaron las bases del hard rock, el blues rock moderno y el rock de guitarristas.


Sunshine of Your Love

Uno de los riffs más famosos de la historia del rock. Pesado, hipnótico y directo, define el sonido de Cream y su conexión entre blues y psicodelia.


White Room

Más atmosférica y compleja. Introducción en compás irregular, arreglos elaborados y una interpretación vocal intensa. Muestra su lado más ambicioso.


Crossroads

Versión de un blues de Robert Johnson llevada a velocidad y electricidad extrema. Es una de las mejores demostraciones del talento de Clapton en directo.


Badge

Más melódica y accesible. Coescrita con George Harrison, refleja un lado más pop sin perder identidad. Es una de sus canciones más refinadas.


I Feel Free

Innovadora para su época. Combina armonías vocales casi pop con una base rítmica potente. Anticipa su capacidad para mezclar estilos sin restricciones.


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